Historia Comparada de la Pintura, Musica y Poesia Moderna

WILLIAM BLAKE,  poeta, pintor y filósofo inglés nacido en Londres en 1757. Desde muy pequeño tomó cursos de dibujo y grabado en  las escuelas de Henry Pars y  James Basire,  explorando al mismo tiempo el campo literario con la lectura de  grandes poetas y escritores de la época.

RAINER MARÍA RILKE, poeta y novelista austro-germánico, considerado como uno de los más importantes e influyentes poetas modernos a causa de su preciso estilo lírico, sus simbólicas imágenes y sus reflexiones espirituales. Nació en Praga el 4 de diciembre de 1875.

Estos dos poetas se encuentran de casualidad en un parque, en el cual comparten un dialogo en donde se dan a conocer aspectos uno del otro.

WILLIAM BLAKE:  Hola, ¿como estas? no esperaba encontramelo aqui.

RAINER MARÍA RILKE: Hola, pues nada, dando una vueltica por aca, para aquello de la inspiracion.

WILLIAM BLAKE:  Si, pues estoy en las misma, y tu en que clase de poemas te inspiras.

RAINER MARÍA RILKE: Me inspiro en el vanguardismo.

WILLIAM BLAKE: A que bien y de que se trata.

RAINER MARÍA RILKE: Hacer te voy a dar una breve reseña de lo que es el vanguardismo; este se manifiesta a través de varios movimientos de vanguardia, los mismos, que desde planteamientos divergentes abordan la renovación del arte, desplegando recursos que quiebren o distorsionen los sistemas más aceptados de representación o expresión artística, en teatro, pintura, literatura, cine, música, etc. Estos movimientos artísticos renovadores, en general dogmáticos, se produjeron en Europa en las primeras décadas del siglo XX, desde donde se extendieron al resto de los continentes, principalmente América. En el mundo hispano el vanguardismo reacciona al modernismo, cuyas innovaciones resultan insuficientes y caducas a ojos de los vanguardistas.

WILLIAM BLAKE: Y que caracteristicas tiene?

RAINER MARÍA RILKE:  La característica primordial del vanguardismo es la libertad de expresión, que se manifiesta de manera peculiar en cada uno de los géneros literarios y de la siguiente manera: en la narrativa, se diversifica la estructura de las historias, abordando temas hasta entonces prohibidos y desordenando todos los parámetros del texto narrativo; en la lírica se rompe con toda estructura métrica y se da más valor al contenido.

WILLIAM BLAKE:  Interesante lo que me cuentas, pero tengo una pregunta, ¿es verdad que el vanguardismo es reacio a lo antiguo?

RAINER MARÍA RILKE: Si, es verdad ya que el poeta/artista/arquitecto vanguardista es inconformista, ya que el pasado no le sirve, tiene que buscar un arte que responda a esta novedad interna que el hombre está viviendo, apoyándose en la novedad original que se lleva dentro, deben abandonar los temas viejos, ya que carecen de sustancia y no responden al hombre nuevo.

WILLIAM BLAKE: Bueno y que hay de tus obras.

RAINER MARÍA RILKE: Pues, mis primeras obras fueron poemas de amor titulados Vida y canciones (1894), otras como la vida de María (1913),  las dos primeras de las diez Elegías de Duino (1923). los cuadernos de Malte Laurids Brigge (1910), Sonetos a Orfeo (1923), entre otras.

RAINER MARÍA RILKE: Bueno y tu que me cuentas, en que te inspiras, comentame. 

WILLIAM BLAKE: Yo me inspiro en en romanticismo, y diste con el indicado, el romantisismo es un movimiento cultural y político originado en Alemania y en el Reino Unido a finales del siglo XVIII como una reacción revolucionaria contra el racionalismo de la Ilustración y el Clasicismo, dándole importancia al sentimiento. Su característica fundamental es la ruptura con la tradición clasicista basada en un conjunto de reglas estereotipadas. La libertad auténtica es su búsqueda constante, por eso es que su rasgo revolucionario es incuestionable. Debido a que el romanticismo es una manera de sentir y concebir la naturaleza, la vida y al hombre mismo es que se presenta de manera distinta y particular en cada país donde se desarrolla; incluso dentro de una misma nación se desarrollan distintas tendencias proyectándose también en todas las artes.

WILLIAM BLAKE: La poesia romantica formó parte del movimiento romántico dentro de la literatura europea durante los siglos XVIII y XIX. Algunos han atribuido la época romántica de la poesía a una reacción contra la Ilustración y la Revolución industrial. La poesía romántica aboga por un regreso del hombre a la naturaleza, lo que se ve, en particular, en las obras de Wordsworth. Cansados de la lucha por la razón y la búsqueda de la verdad, los románticos decidieron desechar la razón y abrazar la belleza. El uso del término poesía romántica puede variar, pero la definición más común es un movimiento dentro de la poesía que busca una libertad formal, efecto emocional incrementado y uso de fuentes antiguas y folclóricas para la poesía.

WILLIAM BLAKE: Y no es por darmelas pero estoy entre Los "Seis grandes de la literatura romántica".

RAINER MARÍA RILKE: Te felicito y es muy grato estar charlando con una persona tan reconocida, pero cuentame de tus poemas.

WILLIAM BLAKE: Si claro, te nombrare unos, A la estrella nocturna, Alegría, Canto del reír, Canto para acunar, El pastor, El tigre, El viajero mental, Eternidad, La noche, La primavera, La rosa enferma, Nueva Jerusalén, Proverbios del infierno, Un sueño, Una imagen divina.

WILLIAM BLAKE: Te deleitare con la que quieras, ¿cual quieres escuchar?

RAINER MARÍA RILKE: Quiero escuchar A la estrella nocturna.

WILLIAM BLAKE: Ok, ha te va;

A la estrella Nocturna:

¡Tú, ángel rubio de la noche,
ahora, mientras el sol descansa en las montañas, enciende
tu brillante tea de amor! ¡Ponte la radiante corona
y sonríe a nuestro lecho nocturno!
Sonríe a nuestros amores y, mientras corres los
azules cortinajes del cielo, siembra tu rocío plateado
sobre todas las flores que cierran sus dulces ojos
al oportuno sueño. Que tu viento occidental duerma en
el lago. Di el silencio con el fulgor de tus ojos
y lava el polvo con plata. Presto, prestísimo,
te retiras; y entonces ladra, rabioso, por doquier el lobo
y el león echa fuego por los ojos en la oscura selva.
La lana de nuestras majadas se cubre con
tu sacro rocío; protégelas con tu favor.

RAINER MARÍA RILKE: Felicidades esta muy buena.

WILLIAM BLAKE: Gracias, y Rainer tu vas a la conferencia que organizan los estudiantes de la clase Historia Comparada de la Pintura, Musica y Poesia moderna, porque yo estoy invitado.

RAINER MARÍA RILKE: Si, yo tambien, y por cierto ya es casi la hora, vamos que nos esperan.

BIENVENIDOS AL COMCIERTO MAS ESPERADO DE MUSICA DEL ROMANTICISMOS,PRIMERO QUE TODO VEREMOS UNA BREVE PRESENTACION DEL NACIMIENTO DE LA MUSICA DEL ROMANTICISMO Y A CONTINUACION LAS BIOGRAFIAS Y OBRAS DE LOS COMPOSITORES FRANZ SCHUBERT Y BEETHOVEN.

Romanticismo temprano (1815-1850), fecha en la cual el primer grupo de compositores que solio agruparse fueron,  Beethoven, Louis Spohr, E. T. A. Hoffmann, Carl Maria von Weber y Franz Schubert.

En la segunda década del siglo XIX, el cambio a nuevas fuentes para la música, junto a un uso más acentuado del cromatismo en las melodías y la necesidad de más expresividad armónica, produjeron un cambio estilístico palpable. Las razones que motivaron este cambio no fueron meramente musicales, sino también económicas, políticas y sociales. El escenario estaba preparado para una nueva generación de compositores que podía hablarle al nuevo ambiente europeo post-napoleónico.

CON USTEDES:

FRANZ SCHUBERT

Nacido el 31 de enero de 1797 en Viena (Austria), Franz Schubert era el doceavo de una familia de catorce hijos de los que sólo sobrevivieron cinco.

De origen humilde, de niño vivía en un barrio de Viena llamado Liechtental, donde su padre ejercía de párroco y de profesor de escuela. A lo largo de su vida, su progenitor le intentaría persuadir para que siguiera el mismo camino que él, pero Schubert decidió convertirse en otro tipo de maestro.

Su padre le enseñó a tocar el violín, mientras que su hermano le introdujo en el mundo pianístico. Schubert tocaba tan bien ambos instrumentos que en 1808 consigue entrar en el coro de niños de la Capilla Imperial y empezó a estudiar en un colegio para cantantes de la corte, llamado Konvikt. Ya las primeras canciones del joven como: "Hagars Klage" (1811) y Der Vatermöder (1811) dejaron a los profesores de Schubert muy impactados. Sin embargo, el muchacho cambió la voz al cabo de dos años, por lo que tuvo que abandonar el Konvikt. Entonces comenzó a impartir clases en el colegio de su padre.

A la edad de diecisiete años escribe su primera ópera: "Des Teufels Lustschloss", su primera misa en fa mayor y diecisiete canciones. Antes de cumplir la mayoría de edad ya había realizado una de sus magnas obras: "Gretchen am Spinnrade". Se trata del primero de los numerosos lieds inspirados en el gran escritor y poeta romántico: Johann Wolfgang von Goethe. De hecho, a los diecinueve años había creado ya más de 250 lieder. A Schubert el lied se le daba de maravilla y es en esta forma en lo que destacó. El lied es, simplemente, una canción corta de índole romántica. Nuestro protagonista tenía gran facilidad para ello y sólo en el período de 1815 a 1816 compuso más de 150 lieder, todos ellos de gran calidad. Sin duda alguna, pues, un mérito que hay que reconocer. Schubert era el genio del lied.

El músico vienés era un gran admirador de Beethoven, pero aunque ambos fueran de la misma ciudad, Schubert no llegó a ser muy reconocido en vida. Es el primer célebre compositor de la historia que no dio recitales públicos y por ello no logró promocionar su música. Su fama era más bien local, ya que nunca se fue de Viena por mucho tiempo. Sin embargo, Schubert tenía cierto prestigio en su ciudad natal y a medida que éste iba creciendo, se le iban presentando algunas oportunidades.

En los últimos tiempos de su existencia parecía que el rumbo de su vida iba a cambiar. Durante estos años escribió obras magistrales como: "Wanderer- Fantasie" (1822) o "Die schöne Müllerin" (1823). Son composiciones inspiradas en poemas de Wilhelm Müller. Luego, el gran dolor del fin de sus días quedó plasmado a la perfección en la obra de 1827: "Winterreise" (Viaje de invierno). Scubert tenía sólo 31 años y se acababa de matricular para estudiar fuga. En 1828 no fueron pocas las firmas interesadas en el autor, pero entonces, a principios de noviembre se puso enfermo. El diecinueve de dicho mes falleció a causa de una fiebre tifoidea. Enterraron al maestro cerca de Beethoven y el epitafio de su ataúd decía así: "Aquí el arte de la música ha sepultado una fecunda riqueza, pero también sus esperanzas, aún más luminosas".

Después de cuarenta años de la muerte de Scubert, el mundo entero comprendió al fin el talento del artista. Así, se empezó a difundir su música, que fue de gran inspiración para otros genios como: Brahms, Brückner, Dvorak y Mahler. Hoy en día, el peso que ha tenido Schubert en el campo musical ni siquiera se cuestiona. Este grande entre los grandes, juntamente con Beethoven, asentó las primeras bases del Romanticismo. Así, aunque mientras vivió no obtuvo el reconocimiento que se merecía, sí hizo siempre lo que quería hacer: "He venido al mundo con el único propósito de componer", decía el maestro... Vista su carrera, desde luego, su objetivo vital lo cumplió de sobras.

PRIMERA GALA

 Franz Schubert - Piano Sonata D. 960 part 1-1

SEGUNDA GALA

Franz Schubert - Piano Sonata D. 960 part 1-2

 LUDWIG VAN BEETHOVEN

Ludwig van Beethoven fue uno de los más grandes en el mundo de la música clásica. Este artista que incluso privado del oído, parte más necesaria para su trabajo, realizó obras de una excelente calidad. Todos estos logros le llevaron a ser considerado un genio y el máximo representante de la Sinfonía.

Beethoven nació el 16 de diciembre de 1770 en Bonn, Alemania en el seno de una familia humilde de origen flamenco. El padre de Beethoven también era músico y desde muy pequeño obligó al gran artista a formarse en el ámbito musical. Ludwig desde niño demostró sus dotes musicales ya que a los ocho años dio un concierto en Colonia y tuvo varias actuaciones en Holanda. Su padre que era tenor de la corte y con problemas por su exceso de ingesta de alcohol privó a Beethoven de la libertad de la que gozan los niños encerrándole para que cultivase su formación musical.

En 1786 Beethoven visitó Viena donde conoció a Amadeus Mozart, quien le impartió unas cuantas lecciones sobre música; pero al caer su madre enferma tuvo que regresar a Bonn. Su madre murió en 1787. A partir de ese momento, llegó una época de penurias y sufrimiento para Beethoven ya que tuvo que hacerse cargo de su familia. Fue el Conde Waldstein quien descubrió el gran músico que Beethoven llevaba dentro y vio que en él al sucesor de Mozart y Haydn; por lo que le recomendó para que se estableciese sin problemas en Viena y pudiera desarrollar allí su carrera musical. De nuevo Beethoven reaparece en Viena, donde recibe clases de Haydn, Schenk, Salieri, Schuppanzigh, Albrechtsberger y Aloys Föster.

Su primer concierto lo dio el 30 de marzo de 1795 pero el 2 de abril de 1800 será la fecha en la que se presenta oficialmente ante el público con su Gran Concierto para pianoforte, su Septuor y su Primera Sinfonía. Con estas actuaciones alcanzó un gran éxito pero desgraciadamente la sordera ya había empezado a hacer mella en su físico.

La obra musical de Ludwig van Beethoven se ha inscrito dentro del clasicismo de Mozart y Haydn y el romanticismo de Schumann o Brahms. Además la mayoría de los críticos divide la obra del músico en tres etapas .

• La primera época abarca las composiciones escritas hasta el año 1800 donde sigue los estilos musicales de Mozart y Haydn. Son obras clásicas sin innovaciones. De este período destaca el Septimino y sus dos primeros conciertos para piano. En total son más de 90 composiciones las que Beethoven crea en estos años.
• La segunda etapa data desde 1801 a 1814. Esta época está caracterizada por la madurez musical y por unos cambios variables en el estado de ánimo del artista ya que combinaba días felices con momentos de una inolvidable angustia que se refleja en sus composiciones musicales . Destaca la ópera "Fidelio", sus ocho primeras sinfonías, sus tres últimos conciertos para piano y el concierto para violín. En total produce 150 obras.
  En 1806 compuso la 4ª sinfonía que algunos pensaban que estaba inspirada en el amor que Beethoven profesaba por Teresa de Brunswick. De este año son también los tres cuartetos opus 59, el concierto para violín y la sonata "Appassionata".

Un año más tarde compone la 5º Sinfonía que es una de las obras más tocadas en la actualidad . Además en esta época también estrena la sexta sinfonía que se llamó "Pastoral".
La séptima sinfonía fue iniciada al fin de 1811 y auque la separan de la 6ª cuatro años, en esta pausa creó el 5º concierto para piano "el emperador", los cuartetos X y XI, La obertura "Egmont" y unas cuantas composiciones más. En lo referente a la 8ª sinfonia diremos que es una de las más alegres y rítmicas de Beethoven.

Ya por último la tercera época llega hasta el día de la muerte del artista. En este período aparecen las obras más personales e innovadoras, que no fueron entendidas en el tiempo en el que Beethoven vivía. La sordera, los problemas con su sobrino, la pobreza y la enfermedad son sus compañeras en este tiempo en que compone la sinfonia nº 9, la missa solemnis y los últimos cuartetos de cuerda y sonetos para piano . Una cifra de 125 obras se enmarcan en lo que sería su última etapa como músico.

Obviamente la profesionalidad de Beethoven debía ser premiada con lo que en 1815 fue honrado por Viena con la "ciudadania honoraria". Más tarde el 26 de marzo de 1827, el maestro Beethoven muere acompañado por más de veinte mil personas que pasaron por su casa para rendirle homenaje.

Beethoven aporta con su obra diferentes cosas como es la relevancia que da a la música, ya que con él se convierte en el lenguaje por excelencia del hombre romántico. Además Beethoven lleva a la cumbre a la Sinfonía y consigue que el componer no consista tanto en seguir unas reglas sino en expresar los propios sentimientos.

De la personalidad de Beethoven se decía que era un hombre de bondad sin límites y que se guiaba por impulsos ya fuera bien por sentimientos de euforia o por estados de tristeza.
Dicen que tras la muerte de Beethoven , Ferdinand Hiller, un pianista de origen judío entró en la habitación donde yacía el cuerpo del músico y le cortó un mechón del cabello de recuerdo. El mechón se convirtió en tesoro y después del fallecimiento de Hiller fue su hijo el que se encargó de cuidarlo. En un momento que se encontraba en peligro debido a la persecución nazi se lo dio a un médico que más tarde pasaría a la sociedad Beethoviana de los Estados Unidos. Los científicos analizaron el mechón y descubrieron que Beethoven había padecido desde muy pequeño un envenenamiento por plomo que le produjo muchos sufrimientos durante toda su vida, incluida la sordera.

¿Leyenda o realidad? Lo que está claro es que Beethoven fue un genio de la música que lo demostró en cada una de sus composiciones.

PRIMERA GALA

 Beethoven's 5th Symphony

SEGUNDA GALA

 Beethoven Symphony No. 9

Bienvenidos a la exposicion de pintura pertenecientes al estilo del Romanticismo. Antes de empezar con la exposicion citaremos de donde surgio el romanticismo y que nos quiere expresar.

El Romanticismo es un movimiento cultural y político originado en Alemania y en el Reino Unido a finales del siglo XVIII como una reacción revolucionaria contra el racionalismo de la Ilustración y el Clasicismo, dándole importancia al sentimiento.

Su característica fundamental es la ruptura con la tradición clasicista basada en un conjunto de reglas estereotipadas. La libertad auténtica es su búsqueda constante, por eso es que su rasgo revolucionario es incuestionable.

Debido a que el romanticismo es una manera de sentir y concebir la naturaleza, la vida y al hombre mismo es que se presenta de manera distinta y particular en cada país donde se desarrolla; incluso dentro de una misma nación se desarrollan distintas tendencias proyectándose también en todas las artes.

Titulo: El caminante sobre el mar de nubes

Autor: Caspar David Friedrich

Fecha: 1818

Características: 74,8 cm × 94,8 cm.

Material: Oleo sobre tela.

 Kunsthalle de Hamburgo, Hamburgo,  Alemania

 La obra representa a un viajero, al que se ha identificado con el propio Friedrich, que encuentra de pie en lo alto de una montaña elevada, mirando un mar de nubes que queda debajo. El viajero se encuentra de espaldas. Viste de negro. Adelanta una pierna y se apoya en un bastón. Se pueden ver los picos de otras montañas saliendo entre la niebla, mientras que una cadena de enormes montañas ocupa el fondo. La gran extensión de cielo por encima de las alturas de las montañas del fondo cubre gran parte del cuadro. Se trata de un paisaje de la Suiza de Sajonia .

En esta obra el autor parecía sentirse bastante atraído con la idea de ver y experimentar la naturaleza en lugares aislados y maravillosos: al borde del mar o de lagos, en la cima de las montañas, o en lo alto de una cascada.

Titulo: Saturno devorando a un hijo

Autor: Francisco de Goya 

Fecha: 1819-1823

Características: 146 cm × 83 cm.

Material: Óleo sobre revoco trasladado a lienzo.

Museo del Prado, Madrid, España

El tema de Saturno está relacionado, según Freud, con la melancolía y la destrucción y estos rasgos están presentes en las pinturas negras. Con expresión terrible, Goya nos sitúa ante el horror caníbal de las fauces abiertas, los ojos en blanco, el gigante avejentado y la masa informe del cuerpo sanguinolento de su hijo.

Titulo: El mar de hielo

Autor: Caspar David Friedrich

Fecha: 1823-1824

Características: 146 cm × 83 cm.

Material: Gama cromatica mas bien fria

En primer plano, una gran masa de ruinas, y, en los planos medio y posterior, pilas similares de ruinas, numerosas, ensuciando lo que parece ser un paisaje helado. El estilo del cuadro logra un sentimiento de misterio que está en el romanticismo.

Titulo: Acantilados blancos en Rügen

Autor: Caspar David Friedrich

Fecha: 1818

Características: 90,5 cm × 71 cm

Material: Oleo sobre tela.

Fundación Oskar Reinhart, Winterthur,   Suiza

Es una de las obras más importantes del romanticismo pictórico y que lo personifica de manera duradera.

En este cuadro recompone los acantilados blancos para que respondan a sus ideas pictóricas. Por un lado, le servía para transmitir su idea política de lo alemán, buscando en el pasado modelos para construir una Alemania mejor; por otro, hondamente religioso, consideraba que Dios se manifestaba a través de la naturaleza, y mostraba su presencia en los paisajes.

Titulo: La batalla de Eylau

Autor:  A.J.Gros

Fecha: 1807-1808

Características: 533 x 800 cm

Material: Oleo sobre lienzo

Museo del Louvre, París.

En este caso asistimos a un romanticismo macabro. El hecho que narra acontece hacia 1806-1807 en la tercera coalición. Los cadáveres aparecen en primer término, y esto nos sobrecoge. Hay efectos que no volveremos a ver hasta el Impresionismo ya que en los primeros planos se han usado las pincelas abocetadas. En el ángulo inferior izquierdo aparece la cabeza de un muerto en primerísimo plano. Se respira la proximidad de la derrota. Aparece Napoleón acompañado de sus tropas. La batalla la ganó Napoleón a los austríacos y prusianos. Al amanecer del día siguiente se recogen los cadáveres, se produjo gran número de muertos por el frío del invierno. Napoleón pasea por los despojos de los muertos y los vivos se le arrodillan, destaca un viejo soldado que intenta besar los pies del emperador. Napoleón parece dar bendiciones levantando la moral.

Titulo: Napoleón y los apestados de Jaffa

Autor:  A.J.Gros

Fecha: 1804

Características: 523 x 715 cm

Material: Oleo sobre lienzo

Museo del Louvre, París.

En general este tema sorprende por su modernidad romántica que se hace evidente en las siguientes características:

Gros realiza un encuadre compositivo de arcos apuntados y de elementos arquitectónicos góticos o árabes, al fondo se perciben los minaretes y los elementos exóticos. En el romanticismo puro se ponen los ojos en la Edad Media y el orientalismo. Hay un fuerte claroscuro, un sabio juego de luces y sombras que aporta un sentido naturalista en la línea de Rubens. El color es restallante, se potencia por una luz que emana a caudales. A Napoleón se le sitúa en el centro y se capta el momento en que toca a un apestado. Se dice que esto sólo lo hacían los reyes porque tenían un carisma muy especial, ya que ellos estaban ungidos por Dios.
Es una interpretación atrevida, ya que, lo particular de la nobleza ha sido aplicado ahora a un poder secular. A Napoleón se le "endiosa", todo el pueblo quiere tocarlo como si de un curador milagroso se tratara. Hay un gran contraste de actitudes. Mientras Napoleón procede a tocar la buba de uno de los apestados como si con ello pretendiera aliviarlo, el ayudante se horroriza y se tapa con el pañuelo por el mal olor que desprende la herida.

Titulo: Llegada del tren a Gijón

Autor:  J.Pérez Villamil

Fecha: 1852

 El paisaje es uno de los géneros más cultivados en el Romanticismo. La Naturaleza es un medio en que el hombre puede proyectar libremente su subjetividad, sus sentimientos. En el siglo XIX cuando el paisaje se convierte en un nuevo género equiparable al de la pintura de historia.

Titulo: La balsa de "La Medusa"

 Autor: Théodore Géricault

 Fecha: 1818

 Características: 491 x 719 cm

 Material: Oleo sobre lienzo

 Museo del Louvre, París.

El pintor recoge el momento más romántico, el de la esperanza, el punto en que los protagonistas, hombres desconocidos, divisan su salvación en la lejanía. Las figuras están dispuestas en una composición en diagonal, una pirámide de cuerpos humanos compuesta por toda una galería de gestos y expresiones, desde la desesperación más absoluta del anciano que da la espalda al barco, pasando por los primeros atisbos de esperanza, hasta llegar al entusiasmo de los hombres que agitan sus camisas al horizonte. La gran figura del extremo inferior derecho fue añadida en el último momento cuando el lienzo ya había salido del estudio.

 Titulo: El poeta pobre

 Autor: Carl Spitzweg

 Fecha: 1839

 Características: 36 cm X 45cm

 Material: Oleo sobre lienzo

Neue Pinakothek, Munich

 En las obras de este autor destaca el costumbrismo, tan característico del movimiento romántico, y el detalle documental y anecdótico que recuerda ciertos aspectos de la pintura holandesa del siglo XVII. En esta obra de 1839 se advierte, además, otra característica: el matiz humorístico.

Titulo: Elohim creando a Adán

 Autor: William Blake

 Fecha: 1795

 Características: 43 × 53,5 cm

 Material: Oleo sobre lienzo

Tate Gallery, Londres

En esta obra, el artista reflejó una de las constantes que se manifestarían durante toda su vida: la lucha contra el materialismo. Sobre un fondo que parece corresponder a una puesta de sol y cuyos rayos rojos se dibujan en un firmamento de color azul oscuro, la figura del Dios creador, Elohim según los primeros capítulos de la Biblia, pasa a gran velocidad sobre el barro del que acaba de surgir su criatura, después de pronunciar las palabras de la creación.

Titulo: La Libertad guiando al pueblo

 Autor: Eugène Delacroix

 Fecha: 1830

 Características: 260 x 325 cm

 Material: Oleo sobre lienzo

Museo del Louvre, en París.

El cuadro radica en la extraordinaria brillantez del color y el claroscuro. En la Libertad guiando el pueblo, la luz es un elemento primordial. Estalla con fuerza en la camisa del hombre caído en primer plano para envolver la figura de la alegoría y disolverse por medio de la polvareda con el humo y las nubes, e impedir contemplar con claridad el grupo de figuras que se sitúan tras el personaje femenino, así como las torres de Notre-Dame. Es una luz violenta.

En este ensayo empiezo resaltando los diferentes conceptos que existen sobre modernidad el cual es un concepto filosófico y sociológico, que puede definirse como el proyecto de imponer la razón como norma trascendental a la sociedad. El punto de vista anteriormente es similar al concepto kantiano de Ilustración (la mayoría de edad del individuo, que ejerce su razón de forma autónoma: el Sapere aude), y antes que éste al antropocentrismo humanista del Renacimiento (por ejemplo La Oratio pro homini dignitate de Pico della Mirándola). Fue muy significativo, para entender la diferente concepción de lo nuevo entre La Edad Media y La Moderna, el Debate de los antiguos y los modernos. El concepto desde una perspectiva sociológica por  Michel Freitag, la modernidad es un modo de reproducción de la sociedad basada en la dimensión política e institucional de sus mecanismos de regulación por oposición a la tradición, en la que el modo de reproducción del conjunto y el sentido de las acciones que se cumplen es regulado por dimensiones culturales y simbólicas particulares. La modernidad es un cambio ontológico del modo de regulación de la reproducción social basado en una transformación del sentido temporal de la legitimidad. En la modernidad el porvenir reemplaza al pasado y racionaliza el juicio de la acción asociada a los hombres. La modernidad es la posibilidad política reflexiva de cambiar las reglas del juego de la vida social. La modernidad es también el conjunto de las condiciones históricas materiales que permiten pensar la emancipación conjunta de las tradiciones, las doctrinas o las ideologías heredadas, y no problematizadas por una cultura tradicional.

Ahora hablaremos sobre la historia de la palabra modernidad que  nos revela sus orígenes románticos. En 1826, Heinrich Heine, en sus Reisebilder, acuñó el termino alemán Modernität, traducido por modernité en la versión francesa de la obra, publicada en 1856/58, poco antes de que su amigo Charles Baudelaire, entre 1859 y 1860, escribiera el ensayo Le peintre de la vie moderne con la famosa parte titulada «La Modernité término representativo del programa de una nueva estética. En la Alemania de la década de 1820, el neologismo Modernität es el recurso de que se sirve Heine para expresar la concepción dialéctica de la Ilustración y el Romanticismo como dos caras de la misma moneda que hemos visto expresada en la cita de Octavio Paz. Así, referido conceptualmente a sus orígenes románticos, el término modernidad registrado en el texto del escritor mexicano adquiere todo el valor intertextual con que aquí lo utilizamos. Al crear el término, Heine nos revela la desasosegada conciencia romántica de la Modernidad. Conflicto que para Octavio Paz se mantiene constante en toda la poesía moderna: «Desde su origen la poesía moderna ha sido una reacción frente, hacia y contra la modernidad: la Ilustración, la razón crítica, el liberalismo, el positivismo y el marxismo.

El autor de Die romantische Schule supo ver en el primer Romanticismo alemán una reacción provocada por el desencanto de la Ilustración. Era la experiencia inquietante de la nueva realidad social y cultural que estaba implantando la revolución burguesa, es decir, el desasosiego que producía lo que él, en sus Reisebilder, denominó con la palabra Modernität.

En un pasaje de los Reisebilder referente a las novelas históricas de Walter Scott que tratan de la Edad Media, aparece la palabra Modernität designando un concepto caracterizado por la insatisfacción con el presente; un presente moldeado por el proceso de transformación social y cultural de la revolución burguesa. El escritor acuña el neologismo para expresar el dolorido desencanto característico de la insatisfacción romántica en el proceso histórico de transición del mundo feudal antiguo al mundo capitalista moderno.

"La Vanguardia significaba innovar o liberar la cantidad de reglas y estamentos que ya estaban establecidos por los movimientos anteriores; por eso se dice que la única regla del vanguardismo era no respetar ninguna regla. La característica primordial del vanguardismo es la libertad de expresión, que se manifiesta de manera peculiar en cada uno de los géneros literarios y de la siguiente manera: en la narrativa, se diversifica la estructura de las historias, abordando temas hasta entonces prohibidos y desordenando todos los parámetros del texto narrativo; en la lírica se rompe con toda estructura métrica y se da más valor al contenido. En la literatura, y concretamente en la poesía el texto va a ser realizado a partir de la simultaneidad y la yuxtaposición de imágenes, (por ejemplo en el Finnegans Wake o en el final del Ulises de James Joyce). Surge el caligrama o poema escrito de modo que forme imágenes pretendiendo así acabar con la tóxica sucesividad del hecho escrito o leído"[1].

En conclusión la modernidad como su nombre lo indica es lo moderno el cual es cambiante, como los cambios que efectuaron la humanidad donde la música, arte, poesía y literatura dieron cambios en sus conceptos, pensamientos e ideas; al igual el romanticismo y el vanguardismo dieron otra visión del mundo donde la introducción de nuevas cosas asociadas a la creatividad eran necesarias para cambiar las cosas que ya existían o eran tradicionales para otras personas.

http://es.wikipedia.org/wiki/Modernidad

Ilustración, romanticismo, modernidad. José Escobar Arronis www.cervantesvirtual.com/servlet/SirveObras/09252841966871839832268/index.htm

 Modernidad y posmodernidad. ¿ Una crisis permanente? Por: José Corredor Matheus
www.cervantesvirtual.com/servlet/SirveObras/24683885545935387754491/index.htm